C’è chi storce il naso nel vedere un rapper con un pennello in mano. Eppure, l’incontro tra queste due forme d’arte è molto più comune di quanto si pensi. Da Kurt Cobain ieri a Tyler, The Creator, Justin Bieber ed Eminem oggi, i confini tra scena musicale e arti visive sono sempre più sfumati. Analizziamo una contaminazione interdisciplinare che continua a far discutere la critica.
Prendiamo il caso recente di Yung Lean e del suo ultimo progetto. Con grande disappunto dei fan che aspettavano un nuovo album, il rapper svedese ha presentato non un disco, ma una serie di tele. La mostra Collected Works raccoglie dieci anni di creazioni realizzate sotto il suo vero nome, Jonatan Leandoer Håstad, dal 2016 a oggi. Per i più curiosi, le sue opere saranno esposte dal 25 settembre in una rinomata galleria di Stoccolma, per un evento che sta già facendo parlare di sé.
L’arte contemporanea: autentico canale espressivo o nuovo mezzo di posizionamento culturale?
L’autunno 2026 lo conferma: le gallerie d’arte contemporanea sono diventate il secondo palcoscenico per le icone dell’hip-hop. Prima di Yung Lean a Stoccolma, all’inizio dell’anno era stato Kid Cudi a conquistare la galleria Ruttkowski, nel cuore del Marais a Parigi, con la mostra Echoes of the Past. Nel presentare il progetto, la galleria ha voluto sottolineare proprio questo filo conduttore estetico:
«Nella sua pratica artistica più ampia, gioca sulle stesse contrapposizioni tra malinconia e felicità che caratterizzano il suo stile musicale. Quando non si tratta di autoritratti, i suoi dipinti suggeriscono la ricerca di un io emancipato». Un ponte perfetto tra arti figurative e musica, suggellato da un’atmosfera sonora creata su misura per il vernissage.
Anche in Francia la tendenza sta acquisendo una dimensione istituzionale. Il rapper Olivio Ordoñez (Oli, del duo Bigflo & Oli) è stato protagonista per diversi mesi del museo Les Abattoirs nella sua città natale, Tolosa. Tra installazioni personali e le opere di artisti che ammira,, ha selezionato una cinquantina di pezzi provenienti dai depositi dell’istituto, creando ponti inaspettati tra figure distanti come Andy Warhol, Keith Haring, Pierre Soulages e JR.
L’hip-hop e le arti visive
Come le nuove generazioni che si muovono con disinvoltura tra i diversi mezzi espressivi, l’hip-hop ha sempre coltivato un legame viscerale con le arti visive: dai graffiti delle origini fino all’appropriazione dei codici della fine art.
Ben prima di diventare un colosso dell’industria musicale, il giovane Eminem, cresciuto nell’universo Marvel prima di scoprire il rap a 14 anni, sognava di diventare disegnatore di fumetti. Nel 2013, il re di New York JAY-Z portava invece la sua performance Picasso Baby alla Pace Gallery di Manhattan. Durante una maratona concettuale di sei ore davanti ai grandi nomi dell’arte — da Marina Abramović alla nipote di Pablo Picasso —, il rapper ripeteva i versi del suo brano con l’intento espresso di elevare il proprio album a opera d’arte.
Una critica talvolta feroce
Se questi passaggi da un’arte all’altra sono sempre più frequenti, perché il passaggio dallo studio di registrazione all’atelier di pittura continua a suscitare così tante polemiche? Chi ha stabilito che un artista debba esprimersi attraverso una sola disciplina?
Il successo musicale finisce spesso per trasformarsi in una gabbia dorata: venerati per il loro impatto discografico, questi artisti vedono regolarmente messa in discussione la propria legittimità nel campo delle arti visive. Che sia sul web o sulla stampa tradizionale, le critiche non tardano ad arrivare non appena un musicista varca la soglia di una galleria.
Anche da parte della stampa più istituzionale non manca lo scetticismo nei confronti di questi tentativi. Nel 2013, in occasione della performance di JAY-Z, Le Figaro non ha usato mezzi termini, sottolineando come alla Pace Gallery il rapper sembrasse voler elevare un album al rango di opera d’arte e concludendo che fosse difficile non vedervi un nuovo «esercizio di autocelebrazione» da parte dei rapper americani.
Tra il pubblico e gli appassionati d’arte, invece, il dibattito riguarda soprattutto il privilegio derivante dalla notorietà. Sotto il post con cui Kid Cudi annunciava la sua mostra parigina, i commenti riflettono perfettamente questa ostilità. Alcuni paragonano le tele ai lavori di un alunno delle elementari, altri deplorano il fatto che tantissimi artisti incredibilmente talentuosi lavorino duramente per tutta la vita senza mai ottenere un simile riconoscimento. Altri ancora ironizzano sulla situazione, proponendo di organizzare un incontro sul ring tra Kid Cudi e l’attore Adrien Brody — anche lui passato alla pittura — per assegnare al vincitore il diritto di dipingere.
Sorge allora spontanea una domanda: cosa viene giudicato davvero? Il valore reale dell’opera o la fama di chi la firma?
Se l’accesso immediato alle gallerie più prestigiose rappresenta un evidente privilegio da star, negare a un artista il diritto di cambiare mezzo espressivo appare come una forma di conservatorismo ormai superata. La storia dell’arte è sempre stata fatta di contaminazioni e multidisciplinarità. Che i loro lavori superino la prova del tempo o rimangano semplici parentesi nelle rispettive carriere, queste incursioni hanno almeno il merito di scuotere un mondo dell’arte talvolta fin troppo impermeabile.
Articolo di Julie Boone.
